La camiseta de la banda ha recorrido un largo camino desde sus humildes comienzos. Sus orígenes son difíciles de rastrear, pero se cree que los ' bobby-soxers ' adolescentes de la década de 1940 impulsaron su creación garabateando los nombres de sus músicos favoritos en su ropa y usándolos con orgullo. Muchos de los primeros diseños no eran oficiales (según los informes, la primera camiseta del concierto fue hecha por un club de fans de Elvis a fines de la década de 1950), pero las bandas y los promotores notaron rápidamente la tendencia y decidieron capitalizarla creando merchandising oficial. Todos estaban felices; los fanáticos acérrimos obtuvieron sus camisetas y los promotores obtuvieron su dinero.
Avance rápido unos 60 años y las caídas de mercancías ahora son omnipresentes. No contentos con lanzar un solo diseño, artistas como Travis Scott y Lil Wayne se unen a íconos de estilo para crear amplias gamas de ediciones limitadas que generalmente vienen incluidas con las descargas de álbumes. Cuando los fanáticos canjean estas descargas, esencialmente gratuitas, se suman a las ventas del artista, un hecho que Nicki Minaj destacó y criticó a principios de este año.
Lo admitamos o no, muchos de nosotros vemos a nuestros artistas favoritos como una extensión de nuestras propias identidades. Puedes saber mucho sobre alguien por la música que escucha, por eso transmitimos nuestras listas de reproducción de Spotify y nos etiquetamos geográficamente en los conciertos. Las redes sociales nos han brindado a todos una plataforma para construir nuestra propia marca personal, y muchos de nosotros lo hacemos a través de la música. Antes de la grilla de Instagram, la única forma de declarar tu lealtad a un artista era usar su mercancía. Ponerse una camiseta de la banda enviaba un mensaje claro de que eras diferente a otras personas; el subtexto general era que eras rebelde, o un individuo.
En citas proporcionadas a The Music Network , el historiador Glenn A. Baker dice que AC/DC fue la primera banda en ganar más dinero con las ventas de merchandising que con las entradas de giras, consolidando su legado no solo como una potencia musical, sino también cultural. . Le siguieron bandas como KISS , que engendraron colecciones enteras de cabezones y recuerdos baratos que rápidamente fueron devorados por fanáticos acérrimos. The Beatles y The Rolling Stones estuvieron entre las otras bandas que llegaron a la cima de esta ola, aumentando sus ventas de camisetas a un ritmo sin precedentes. Es posible que la tendencia haya estado floreciendo lentamente durante décadas, pero fue en la década de 1970 cuando realmente explotó la locura por el merchandising de giras.
Al igual que con cualquier fenómeno contracultural que rápidamente se generaliza, la mercancía de la gira sufrió una saturación excesiva. Las empresas lanzaron ávidamente nuevos diseños y aumentaron gradualmente sus precios para beneficiarse del fandom, así que llegaron los punks para revigorizar la naturaleza política de las camisetas de las bandas.
La diseñadora Vivienne Westwood aprovechó este vínculo entre estilo y subcultura, creando camisetas punk icónicas cuyos mensajes eran descaradamente radicales. No solo revolucionó la camiseta de la banda al subvertir su modelo con eslóganes anárquicos y una actitud de "vete a la mierda", sino que también logró infiltrarse en la industria de la moda dominante.
Desde entonces, la mercancía de la gira ha sufrido varios cambios de imagen. Las bandas de metal, incluidas Metallica y Slayer , utilizaron gráficos satánicos limítrofes para crear un modelo que ahora es más relevante que nunca (más sobre eso más adelante), mientras que la creciente popularidad de un género de rap entonces naciente generó camisetas icónicas de Run-DMC . y NWA . entre otros.
Bandas como Nirvana , Ramones e incluso The Spice Girls han demostrado una y otra vez que la ropa puede ser incluso más lucrativa que la venta de entradas, construyendo imperios comerciales basados en gran medida en sus propias marcas. Al mismo tiempo, los medios musicales estaban evolucionando y brindándonos cada vez más acceso a nuestros artistas favoritos. Las obsesiones culturales con los artistas aumentaron y los promotores esperaban entre bastidores para cosechar las recompensas.
esto es importante Los primeros coleccionistas de merchandising de giras literalmente viajaban por el mundo para recoger camisetas, y usarlas se convirtió en un ejercicio casi religioso en el fandom. No se trataba simplemente de prendas aleatorias, sino de piezas de recuerdo de edición limitada cuyas historias se remontaban a una noche en un pueblo para una multitud. Cada uno de ellos vino imbuido de una historia específica, una que innegablemente significó algo para los fanáticos que los cuidaron con amor a medida que se volvían más angustiados, apolillados y manchados de sudor.
Pero ahora vemos estos signos de desgaste como nada más que una estética. Ahora cualquiera puede leer los rieles de Forever 21 o H&M y comprar una camiseta de Nirvana sin haber escuchado nunca Nevermind y, como resultado, las camisetas de las bandas se han convertido en un tema candente de debate.
En las últimas décadas, el merchandising de la gira ha pasado de ser una declaración política a un elemento básico de culto y una apropiación general sin sentido, por lo que el hecho de que los artistas se unan a diseñadores con visión de futuro y lancen lanzamientos limitados y asequibles es tranquilizador. Hace unos años, parecía que los Jenner habían acabado con la camiseta de la banda para siempre. Pero una combinación de diseño innovador, estrategia inteligente y, ese ingrediente crucial, exageración han demostrado que está lejos de morir; solo se necesita un puñado de visionarios para mantener vivo su legado.